我们现今的艺术呈现出多元化的发展趋势，而几百年前的古典绘画一直崇尚气势宏大的形体之美，直到印象派艺术的出现打破了几百年的绘画传统，将色彩的生命力解放，让色彩的感情第一次在画面上跃然升起，他们的色彩革命为我们现今的设计及艺术做出了重大的贡献。莫奈潦草的造型中却有沁人心脾的色彩，塞尚是以“色调”来代替“造型”画面开始有了设计意味，而被称为太阳之子的梵高，用他那些完全脱去造型的冶艳色彩诠释了多少内心的苦闷与忧伤、热烈与狂想。色彩从不是形体的附属，而是一种拥有无限神韵及情感魅力的元素，色彩的解放才有了我们今天绚丽多彩的设计及艺术形式。
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想谈一下色彩如何从古典绘画中解放出来，印象派与早期的抽象派西方美术对现代设计的最大贡献是将色彩脱离出来，他们让色彩从形体的绘画中解放出来。古典主义美术注重形体的表现，色彩服务于形体，而其本身没有过多的意义。犹如米开朗琪罗的鸿篇巨作，在他画面的人物身上是找不到色彩的，色彩都被细腻的调和而后融入到完美转折的形体之中去了。到安格尔的新古典和谐与秩序之美，在他近乎于洁癖的画面中也仍旧找不到色彩的影子，他的作品总是洁净的无一点瑕疵，透过女性慵懒的胴体可以感受到瓷器般光滑的肌肤，没有多余的笔墨，更多的是圆润无瑕的过渡，所有的原色在被调和后都被形体架构吃了进去。印象派是西方古典美术的终结者，是西方美术的白话文运动，他们向艰深晦涩、妖柔婉转的文言文美术宣布告别，印象派是西方美术通向现代的起点。印象派代表画家莫奈是最开始将光与色表达于画布的先行者，莫奈一生对造型不在意，他的《睡莲》系列画面形体造型潦草，但色彩却沁人心脾，脱去了形体的色彩坚定的将情绪表达出来，那一蓝一粉一绿之间让人感觉到光影的变幻莫测和画家本人心中充满的惊惧和忧伤。色彩第一次在画布上被提炼出来，他们抛却了形体的束缚，将光与颜色作为画面唯一的重量体现出来，颜色似乎有了灵魂，即便是不被框在任何一个形体之中，他们仍然有表情有内涵，仍然独立的撑起了一整张画面，将画家本身要表达的客观事物与主观情绪宣泄尽然。被誉为“现代艺术之父”的后印象派画家塞尚是印象派与立体主义画派之间的重要画家。塞尚代表作品《玩纸牌者》，画上所有远近事物都用一片一片的色彩组成。塞尚是以"色调"来代替"造型"的，即是说，色彩的各个色域的有节奏变换加强了形体的塑造。塞尚的成功之处就在于真诚直率地再现了农民生活中的性格，而且是用色彩来构成的。色彩本身就是神韵的表达，它不受形状的控制，无论是圆形红色还是方形红色都依然是红色，所以色彩可以表达出很多情绪与内涵。印象派绘画将色彩的精神还给色彩，从而使色彩在后期的绘画艺术与工业革命后产生的设计领域发挥着作用。古典主义绘画将绘画艺术束之高阁，是人们朝圣的方向。而印象派绘画将艺术更多的代入了人的内心世界。印象派之后出现的野兽派也同样使用简练的线条，夸张的颜色，让色彩在画面中充分释放和独立，野兽派解放了欧洲传统绘画中的自然色彩，从此，色彩不必依附于任何一种自然形态及它们的真实性，色彩自由了。色彩的自由意味着无论是画师还是设计师都可以运用色彩自由的表达他们想要的画面与作品。每一块色彩独立出现，表达着不同的情绪诉求与视觉角度。色彩的搭配成为现代绘画与设计中首要解决的问题。现代设计师的工作是当他接到一个项目，首先要做的就是根据项目的类型确定其风格，然后根据项目的风格确定一套主色与配色，这是现代设计的必经之路，设计师可以主动地去选择色彩，通过颜色来说明问题，将产品的性格表达出来，给受众一个清晰明了并且带有一定情绪倾向的产品外貌，其中色彩起到决定性的作用。如果说西方艺术史上一定要说出一个重量级人物，没有之一的选择，那必然是米开朗琪罗首选，他的画面很难用简单的形容词来概括，每一个细节都体现着希腊文化中的人体之美，健硕阳光的形体，彰显着生而为人的骄傲。文艺复兴时期的作品大多都是崇尚人本身的文化，从波提切利、达芬奇、米开朗琪罗到拉斐尔，都是将人物的形体展现如雕塑般结实有力，看到米开朗琪罗的作品，似乎感觉人物要飞出画面般活灵活现，那些符合透视解刨关系的完美形体使得画面极具张力。所以在文艺复兴时期的作品之中色彩是一个非常辅助性的存在，整个画面中找不到一块生动的黄色也找不到一块黯然的蓝色，颜色本身并没有生命，所有的色彩都被调和后融入到画面面之中服务于厚重而结实的形体里面。在西斯廷礼拜堂画祭坛壁画中《最后的审判》里，上帝耶和华身上从皮肤到袍子几乎都是表现明暗关系的淡灰色，袍子上隐约着淡淡的紫灰色，周围最显眼的一块颜色便是上帝耶和华身下飘出来的一条绿色的绸带，绸带本身的塑造也是绿色为主色的素描关系。左边斜躺着的亚当身体的刻画体现了米开朗琪罗对于希腊人体阳刚之美的眷恋，亚当身上依然找不到明显的色彩，更多的是用明暗关系在形体转折中塑造立体感极强的肌肉组织。亚当的身后也是用淡淡的色彩勾勒了背景，以衬托主体人物。所以色彩并没有在文艺复兴时期的绘画作品当中发挥它的生命力，而是借由画师的手来辅助形体的塑造。形体是文艺复兴时期作品的独特魅力所在。光与影是现实中多么难以捕捉的东西，他们看似无形无色，虚无缥缈，在印象派之前，这些似乎并不是画家们喜欢探讨的话题。他们更注重形体的搭建和气势的宏大。印象派的画家们开始走出画室，去大自然中更广阔的空间寻找绘画的意义。莫奈创作的《日出·印象》于1874年在印象派画家第一次联合展览会上展出的时候还是一片哗然，画面传达了港口日出时的光与色的印象。画面中再也没有坚硬的形体，而是被松散的色彩所取代，光的形式变成不同调性的色彩覆盖于景色之中，印象就是刹那的感受，是变化模糊的，如同光的存在。然而画面中第一次成了色彩的主场，形体不在重要，反而成了颜色的载体。画面中的每一笔都是色彩的凝练，色彩似乎活了起来，它们跳跃在画面之上，表达着那一刻光与影的语言和画家的情感。印象派之所以作为现代艺术的先驱正是因为其革命性的存在，它们解构了画面，向古典主义宣战，第一次让色彩活了过来。文森特梵高被称为太阳之子，他画面中大块大块的黄色晃动着明亮而冶艳的光芒。诠释着热情、慷慨、灿烂、奔放与温暖。他说：“每个人心中都有一团火，但路过的人只看到烟雾。但是总有一个人，总有那么一个人能看到这团火，然后走过来，陪我一起。”梵高的名字总是如雷贯耳，他的风格独特，美术研究将他归类于后印象派画家行列中。他的画面中融入了印象派鲜艳的色彩与画风。梵高早期的作品《吃土豆的人》中并没有体现色彩的魅力，而是后期到了巴黎受到印象派的影响以后整个画风都“亮”了起来。他的画面中已经彻底脱离的形体的束缚，完全用色彩来表达，甚至很多画面都是纯平面的表达方式。梵高一直是一个备受争议的画家，他的功成名就是在死后彰显，生前常年被精神疾病所困扰，所以他的画面中更多的是精神世界与情绪的体现，他的作品是对古典主义绘画中那些完美人体的全面颠覆。绘画的意义在梵高那个时代被重新定义，不是对人体美学的眷恋、不是对神的完美描绘亦不是某种英雄主义的崇尚，而是画家本身精神世界的视觉体现。《向日葵》中向日葵完全失去了植物具象的形状，取而代之的是那热烈的黄色在梵高狂躁的笔触中催发出强壮的生命力。《向日葵》创作于梵高等待期盼已久的挚友高更到来的日子里，画面中可以感受到梵高粗狂而热烈的情感，那种盼望的好友即将到来时热切的心情，色彩的生命力被运用的淋漓尽致。色彩从来就不是简单的归属于形体，它有很多的力量和表情，画师的真诚运用可以让色彩真正在画面中活过来，体现其神韵。梵高在法国圣雷米创作的《星空》中的色彩更让人看过之后为之震撼，那旋转的笔触下绘制的星空早已超出了眼睛所看到的世界，它是梵高主观世界的展现，那些黄色与紫罗兰、红色与墨绿的强对比颜色，将画面带入了及其神秘的领域之中，梵高善于将这些带有冲突的颜色和谐的表达于画面之上，对于颜色的驾驭能力使他的画面无论色彩多么狂躁艳丽，但看上去依然如此引人入胜。《星空》犹如一片幻象吸引着读者去揣摩梵高的心思，似乎从画面之上我们能身临其境的感觉到他当日的苦闷与忧伤以及那些只有他自己才能感知到的小世界。印象派及梵高与塞尚为代表的后印象派画家开创了现代艺术的先河，第一次在画面中将色彩解放出来，给予色彩生命力。历史总是在不知不觉中前进，回看古典绘画，那些完美的描摹，总会敲击我们的心灵。而印象派却为工业革命后出现的各种设计带来了全新的色彩革命，将色彩的生命力解放，为我们现在的各种设计及现代艺术所用。［1］蒋勋、写给大家看的西方美术史.湖南美术出版社.2015(7).30-168页［2］蒋勋、蒋勋破解梵高之美.北京联合出版公司.2015(3).35-95页［3］［日］中野京子、从莫奈到梵·高，印象派里有什么.电子工业出版社.2017(3).55-153页［4］崔进之、后印象派的色彩研究.东南大学出版社. 2012(12).70-172页李慧（1985.8-），女，吉林省长春人，硕士研究领域：视觉符号语言、数字媒体艺术、交互媒体界面设计工作单位：吉林师范大学，数字媒体艺术专业。职 称：讲师成 就：作品：欢庆[J].美术大观，2011.作品：蛇之名[J].美术大观，2012.
论文：从老子的“有”“无”哲思到交互媒体的“无”设计[J].湖北科技大学学报，2014.论文：原创自媒体时代高校二维动画FLASH创新型课程实践教学与研究课程教育研究，2016.论文：品牌符号在传播营销中的有效性.新闻研究导刊,2017.
吉林师范大学校级教研项目“原创自媒体时代高校二维动画FLASH创新型课程实践教学与研究”.2014～2016.主持人.
大学生创新创业训练计划项目《互联网+时代企业品牌包装推广设计》获国家级优秀奖，2017.
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