草间弥生：我创作艺术是为了治愈全人类

草间弥生，当代艺术界最著名的艺术家之一，50年代抵达纽约时只带着一个装满和服的手提箱和几美元，但却从那里出发获得了国际声誉，之后，自1977年以来一直在日本的一家精神病院生活和工作。

草间弥生于1929年3月22日出生在松本，一个位于长野县的传统日本乡村小村庄，她在作品中大量使用的波尔卡圆点正是来自她从10岁开始产生的视觉幻觉，她将自己定位为60年代后的多学科前卫艺术家，涉及领域涵盖绘画、素描、雕塑、表演、装置、时尚、出版和写作，风格各异，接近极简主义、波普艺术、行为艺术、大地艺术、原始艺术和迷幻主义，将自己认同于这些运动中的任何一个，不断地重塑自己的风格。

“人们可能会以其他方式称呼我，但我认为自己是艺术界的异端。”

草间弥生在松本父母家的房间里的照片，大约1957年

图片由草间弥生工作室提供

她是一个价值观保守的日本上流社会家庭的四个孩子中最小的一个，父母从事种子的种植和贸易、储存和房地产，严苛的家庭从小就阻碍了艺术家的创作表达，甚至拿走了她的绘画工具，禁止她学习艺术，对于一再形容自己是一个痴迷艺术家的草间来说，这是非常难以忍受的家庭环境。

“我创作艺术是为了治愈全人类。 ”

她的母亲曾经想引导她走上传统日本家庭主妇的道路，粗暴地阻碍了草间弥生成为职业艺术家的梦想，而她的父亲也没有陪伴她的成长。珍珠港袭击和二战爆发后，她和镇上的其他学童一样，在降落伞厂每天工作长达12个小时，但尽管工作繁重，她还是设法找到了时间和用具继续画。 

草间弥生家族的肖像，1929年

图片由艺术家提供

她在十几岁的时候就开始在群展中公开展示她的作品，1948年战争结束后，她说服父母允许她在京都市艺术专科学校学习绘画，专攻日本现代风格的日本画，后来继续在镰仓学习，但很快就厌倦了老师的传统方法，直到50年代初她开始在家乡举办个展时才看到自己的才华。

一天，她走进一家书店，第一次看到乔治亚·奥基夫的艺术并且迅速沉迷其中，她决定给她写一封信。奥基夫回复了那封信，建议她去纽约，向尽可能多的人展示她的作品。受此建议的启发，鉴于痛苦的家庭冲突和压抑她成为艺术家愿望的令人窒息的环境，草间弥生决定于1957年移居美国。

在定居纽约之前，她首先前往西雅图，在Zoë Dusanne的画廊短暂展出了26件作品。到了城里，27岁的她只有几百块钱和一个装满和服的手提箱，她坚信自己可以以此谋生，但不久之后，作为一名女性和日本人，她意识到这座城市对她怀有敌意，从她的作品《Walking Piece》（1966年）中可以看出，在这一系列照片中，她穿着和服独自穿过纽约的街道，挑战着充满性别歧视和男性主导的社会。

草间弥生，圣马克斯广场，纽约，1970

尽管她在经济上遇到了很多困难，但草间弥生出国旅行的时机却千载难逢，60年代随着波普艺术与极简主义的兴起，纽约开始在世界范围内确立自己作为艺术之都的地位，草间获得认可的第一步是她与伊迪丝·哈尔珀特（Edith Halpert）的会面，伊迪丝曾在市中心画廊推出过顶级艺术家，包括奥基夫本人，她决定通过购买她的一件作品来支持这位年轻的日本女性艺术家。

草间弥生，狂欢杂志，1969

1959年10月 ，草间弥生在纽约的第一次个展“ 强迫单色”在布拉塔画廊开幕，她展示了“无限网”，在表面绘制的一张由密集的油漆笔触组成的网，形成一个穿孔的网格，几年后成为了非常成功的极简主义单色绘画。

从这一刻起，艺术家的表达方式会经历不同的表现形式，而且始终保持着无限网的创作初衷，探索绘画的生理和心理边界。她成为纽约前卫艺术的关键人物，并与唐纳德·贾德、克拉斯·奥尔登堡和安迪·沃霍尔等她认识并受她影响的艺术家一起展出作品；年轻的贾德作为一名艺术评论家认可了她的作品，据草间弥生说，她是第一个在纽约以200美元的价格买下她一件作品的人。 

草间弥生，《无限网》（2），1958年，布面油画。

© 草间弥生

在Air Mail Stickers (1962) 作品中，是一张覆盖着数百个红色、白色和蓝色航空邮件贴纸的大画布，一种更接近波普艺术的感性开始出现，并在雕塑语言中得到充分表达。无限网开始在空间中扩展，超越画布，延伸到桌椅上，将日常物品感性化，草间弥生称这些物品为Soft Sculptures。

Infinity Mirror Room - Phalli's Field等装置就是这种情况（1965），一装满红色圆点的填充织物突起的镜子房间，穿着红色连身衣的年轻草间弥生也出现在其中，还有由间歇性电灯组成的装置《永远的爱》（1966-1994），草间弥生表示：“白灯打开和关闭时，有一系列的红灯淡入淡出，让你头晕目眩。”

草间弥生，无限镜室，1965

 ©草间弥生

大约在同一时间，从1965年开始，她参与了许多引起媒体关注的未经授权的活动，主题多半是受嬉皮士运动影响的社会和政治意识，专注于回归自然和和平主义思想反对越南战争，其中暴力与激进主义相抗衡。这些表演在公共场合展示赤裸的身体，她自己作为女性艺术家在男性主导的社会中，作为日本人在西方艺术界和作为她自己的神经质和强迫症状的受害者，宣称要打破身份、性和身体的界限。 

草间弥生——纽约每日新闻，纽约，1969

1968年10月15日，草间弥生首次在纽约证券交易所前进行了裸体舞者表演。草间弥生称“从这个机构赚来的钱让战争继续下去，我们抗议这种残忍和贪婪的战争机构”，偶尔会引起警察干预和逮捕，诸如此类未经授权的示威活动还发生在美国其他许多文化象征性场所：自由女神像前、中央公园爱丽丝梦游仙境雕像前，草间弥生在纽约现代艺术博物馆的雕塑花园喷泉表演参与者身上画点，被纽约每日新闻报道。

1966年，她没被邀请自己参加了第33届威尼斯双年展，她在意大利馆前展出了水仙花园，这是一件由一千五百个镜面银塑料球组成的作品，由于草间弥生有限的经济资源，这场展览的花费由她的朋友Lucio Fontana支付，塑料球覆盖了一块绿地，上面刻着“水仙花园，草间弥生”和“出售你的自恋”字样。

草间弥生在开幕当天以大约1,200里拉的价格出售了这些球体，目的是批判艺术界的商业灵魂并激发对自我认知的反思。

草间弥生，水仙花园，威尼斯双年展，1966

草间弥生和卢西奥·丰塔纳，米兰，1966

除了制作绘画、素描、雕塑、事件和装置，草间弥生在60年代还制作了许多电影，其中《 自我毁灭 》（Self-Obliteration，1967）获得了国际认可和奖项，并将她的艺术扩展到时尚界。1969年，她开设了自己的精品店“Kusama Enterprises”，这家商店出售具有自己审美的衣服、包包甚至汽车，其特点是免费使用波尔卡圆点和重复密集的图案来营造无限感，让人想起她最早的作品无限网。

虽然1973年取得了成功，但草间由于强迫性神经症还是决定返回日本脱离西方艺术世界，她于1977年进入精神病院，至今仍在那里生活和工作，据称她是自愿搬到那里的，但她说并非如此。在接下来的几年里，她继续创作艺术，将诗歌和小说添加到她的一系列创作活动中，创作了克里斯托弗街的骗子石窟（1984）、天地之间（1988）和紫罗兰迷恋（1998）。

草间弥生，《我对南瓜的永恒之爱》，2016年

©草间弥生

在80年代和90年代，草间弥生正式蜚声国际。1993年，她代表日本馆参加威尼斯双年展展示了许多作品，包括装置 Mirror Room (Pumpkin) (1991)，这是一个带有黑点的橙色镜室，里面放置了艺术家的另一个标志性的南瓜。Infinity Mirrored Rooms是一种沉浸式装置，通常由一个带有数百种彩色灯光和反射的镜室组成，在21世纪成为一种风靡全球的艺术表达方式。 

草间弥生，无限镜室-充满生命的光辉，2011年

© 草间弥生

在《无限镜室-充满生命的光辉》（2011）、《悲伤的枝形吊灯》（2016-18）和《消逝的房间》（2002-2012）等作品中，LED灯、水晶吊灯或波点贴纸不断出现，碎片化了参观者的身体并创造出一种不断重复的效果，将早期作品的痴迷主题转化为物理现实。

这些装置在马德里索非亚王后国家艺术中心博物馆、巴黎蓬皮杜艺术中心、伦敦泰特现代美术馆、纽约惠特尼美国艺术博物馆等国际博物馆举办的大型回顾展中引起了公众的注意。

她在国际上声名鹊起也归功于与创意产业的几次合作，例如1994年与Genesis的彼得·加布里埃尔合作的歌曲Lovetown，在这首歌中，她的作品出现在歌曲视频剪辑的夸张世界中。此外， 2012年，这位艺术家跳出了创作舒适圈，在Marc Jacobs的邀请下，与Louis Vuitton一起设计了整个胶囊系列，还设计了举办特别项目的纽约精品店的内部布局，从服装到一系列手提包和小皮具，再到展示和橱窗设计，草间弥生创造了具有鲜艳色彩和宏观纹理的物品和组件：花朵、波尔卡圆点、南瓜和严格点缀的神经连接，这些图像是她更成熟作品的典型代表。

快闪店·Selfridges，草间弥生与路易威登合作，2012

2017年10月，草间弥生博物馆在东京新宿区开幕，靠近她的工作室和她居住的精神病院，收藏了她的永久收藏品和一些沉浸式装置。虽然现在草间弥生已经九十多岁了，但她几乎每天都在工作，她在对未来的计划中只有一个愿望：创作艺术直到死去的那一天。

草间弥生和她最近在东京的一些作品，2016

编辑：Z